Immagini cinematiche e sculture cinematografiche – Francesco Poli

Daniel Glaser e Magdalena Kunz lavorano da anni, con lucida e visionaria determinazione, all’invenzione di un mondo senza più coordinate definite, destabilizzato e inquietante, carico di tensioni stranianti e immerso in dimensioni spaziali e temporali sospese e sfaccettate. E un mondo all’incrocio fra finzione virtuale e realtà fra simulazione mediatica e esperienza non mediata. In una prima fase, allucinata e in parte apocalittica, la ricerca si sviluppa attraverso grandi quadri fotografici costruiti con ben studiati collage digitali, e con una sofisticata tecnica kinematica da un lento movimento interno di fusione e sovrapposizione di immagini. Si tratta della monumentale trilogia High and Low (2000-2005), composta da Flying High, Babelsberg e Overnight, tre cicli di lavori che sono allo stesso tempo indipendenti e concatenati fra loro. Ogni ciclo è completato anche da un’installazione oggettuale.

Riguardo a questa trilogia Mirja Lanz ha scritto: “La presenza umana è comune a tutti e tre i cicli di High and Low”. 

E c’è sempre qualcosa in queste persone che sembra sfuggire al controllo. In Babelsberg (il cui nome emblematico fa riferimento a quello dei famosi studi cinematografici di Berlino) figure anarchiche rovesciano la loro stessa messa in scena. In Flying viene contraddetta la legge della gravità, e sembra valere solamente il credo del film La haine, “Jusqu’ici tout va bien”. E in Overnight, la più narrativa delle tre serie, i simboli del potere cadono alle luci dell’alba, dopo una festa. Ma in High and Low l’interazione umana ha un aspetto particolare: la dinamica effettiva risulta disintegrata. In effetti noi vediamo solo individui isolati dato che ognuno di essi è stato fotografato singolarmente nello studio e successivamente inserito nell’insieme della composizione come in un collage. Una realtà virtuale artificiale giustapposta all’intenso lavoro personale degli artisti con i loro modelli. Questo spiega la strana atmosfera che emanano queste scene. Gli attori hanno una loro forte identità autonoma che persiste al di là della messa in scena complessiva. Accanto alla rappresentazione dei personaggi, l’elaborazione delle immagini basata sulle potenzialità della fotografia digitale è Ia costante più cospicua in tutti i cicli. 

Uno scenario apocalittico, un volo senza peso o una pista d’atterraggio piena di persone al tramonto: “ciò che appare non è certo che sia ciò che pensiamo possa essere.” 

Nella seconda fase della loro ricerca, quella attualmente in progresso, continua ad essere presente una condizione di straniante spaesamento dei personaggi che anche quando sono in gruppo sono chiusi nella loro inesorabile solitudine e vivono in uno stato di alienazione riflessiva. Ma qui gli aspetti più visionari e surreali, che esplodevano nella tridimensionalità virtuale, lasciano il posto a temi e problematiche con più dirette implicazioni sociali, politiche, culturali e esistenziali che entrano in gioco nella raffinata e concettuale drammaturgia teatrale delle installazioni attraverso la messa in scene di figure parlanti, costituite da sculture-manichini variamente abbigliate, il cui volto animato con particolari dispositivi di videoproiezione. 

Questi personaggi, definiti Talking Heads, sono presenze allo stesso tempo fisiche e virtuali, mobili e immobili, il che crea uno sconcertante e affascinante effetto per chi li guarda e li ascolta. Le Talking Heads, ci spiegano Glaser/Kunz, sono sculture rese vitali per mezzo di videoproiezioni. Oltre alla interazione fra videoproiezioni e sculture, utilizzano come vestiti e elementi di contorno vari materiali veri. A prima vista i visitatori hanno l’impressione che ciò che vedono sia una performance reale. Tale impressione è generata dalla proiezione di video (con volti che parlano) sui calchi tridimensionali delle teste. L’artificio tecnico produce un’illusione fantasmatica e piuttosto realistica. Ma dopo un po’, I’osservatore si rende conto del “trucco” (e questo é previsto dagli artisti) e Ia visione assume valenze più problematiche. La discrepanza fra realtà e finzione, I’impatto fisico dell’esibizione, il contrappunto della recitazione, tutto ciò determina una tensione che mette radicalmente in crisi e sovverte le convenzioni. Le “teste parlanti” innescano una situazione che ci coinvolge profondamente e ci fa riflettere sull’ambiguità della relazione fra astrazione dell’arte e realtà della vita. Nelle prime opere del 2007 l’installazione ambientale è più raccolta e intimistica e i protagonisti sono figure singole. In Drehbuch (sceneggiatura) ci troviamo davanti a un tipo, avvolto in una coperta, seduto vicino a un tavolino pieno di fogli scritti che svolazzano anche per aria. Nella penombra di questa stanzetta l’uomo, un attore teatrale, come sospeso in un angosciante vuoto di senso, formula in continuazione delle domande enigmatiche rivolte al pubblico ipotetico e anche a se stesso: “Dove sono?”, “E tu chi sei?”, “Cosa si deve fare?” e cose del genere. 

In questo lavoro, dove non mancano riferimenti a Pirandello e a Beckett (molto amato da Glaser/Kunz ), l’alienante e assurda performance teatrale (o prove di uno spettacolo che mai andrà in scena) è metafora della condizione stessa dell’uomo sui bordi estremi della solitudine esistenziale. 

Su una analoga lunghezza d’onda, ma in un’altra dimensione ancora più straniata e inquietante, si situa Kind. 

Qui vediamo un bambino sdraiato, coperto di fogli di carte e con la testa appoggiata su della paglia, Ia stessa che fuoriesce da una vicina cassa di legno semiaperta che sul coperchio ha la scritta “Kind Fragile”. II bambino pronuncia delle parole lamentose, come se si chiedesse quale sarà il suo destino, ora che è stato messo fuori dal suo contenitore. 

Sempre dello stesso anno a l’ ironico e sorprendente Autoportrait. Si tratta effettivamente del doppio autoritratto degli artisti che in effigie (quasi degli avatar alieni) si trovano seduti dentro una vera automobile, con i finestrini semiaperti in modo che si posse sentire il loro dialogo strampalato. L’opera, mobile per definizione, è stata collocata (sarebbe meglio dire parcheggiata) in vari posti per strada, e ogni volta ha prodotto nei passanti che guardavano delle reazioni molto forti: dalla curiosità alla paura, dall’inquietudine alla fascinazione, dall’incredulità al divertimento. Decisamente spiazzante (con un effetto trompe l’oeil che è andato forse anche oltre le aspettative degli autori) anche Ia performance mobile di un altro sorprendente lavoro, Jonathan (2009). II personaggio è un cinquantenne su una sedia a rotelle con una gamba e le due braccia ingessate. E’, presumibilmente, un collezionista che parla ininterrottamente al telefonino di artisti, gallerie, mostre, acquisti, vendite, prezzi d’asta. Ed è per questo che i risultati più eclatanti ci sono stati quando il lavoro, spinto da un “accompagnatore”, è stato portato nelle fiere, tra cui Art Basel, dove è stato scambiato dalla maggioranza del pubblico e anche dai guardiani per un vero visitatore. 

Nel 2008 Glaser/Kunz hanno soggiornato, come artisti in residenza, a Città del Capo, dove hanno lavorato alla realizzazione di una serie di tre installazioni intitolate Voices, la più importante con sei figure: seduti e avvolti in scure coperte per ripararsi dal freddo, i protagonisti, sei poeti di strada, parlano della loro esistenza, delle loro speranze a paure, pongono domande senza risposta sulle più gravi questioni sociali e politiche del loro paese. 

Un’altra opera, Performance (2009), è formata da un gruppo di donne e uomini travestiti da gorilla e seduti in mezzo a pile di vecchi pneumatici. Le maschere scimmiesche sono posate a lato e le teste parlanti spuntano nitide e livide tra il pelame e stanno facendo le prove di una grottesca e singolare pièce sullo stato del mondo. Soprattutto nei lavori dove sono in scena gruppi, il gioco degli sguardi e delle espressioni così come le voci diverse che si alternano in monologhi e si confrontano in dialoghi sconnessi e improbabili, producono un effetto complessivo di spaesante espressività scenica che coinvolge progressivamente in modo sempre più intenso lo spettatore immergendolo in un’atmosfera irreale e ammaliante. L’ultimo progetto di Glaser/Kunz, come sempre molto impegnativo e impegnato, si intitola House of Homeless ed è stato elaborato durante il loro soggiorno a New York. L’installazione maggiore prevede la messa in scena di circa venti personaggi vestiti di stracci, coperte, carta stagnola e con ricoveri precari fatti di cartone. Questi individui non rappresentano soltanto una reale tragica condizione di vita di moltissimi emarginati, ma sono anche un simbolo della precarietà dell’esistenza in generale. Sono gente senza casa, nomadi disperati, ma anche filosofi che riflettono nei loro discorsi sui grandi interrogativi della vita. Le questioni che si pongono, dicono gli artisti, riguardano l’isolamento e l’insicurezza di vivere in situazione di marginalità, ma essi difendono anche l’indipendenza spirituale, la libertà individuate e, in un senso figurato, la “homelessness”. I personaggi, che rappresentano differenti culture e percorsi di vita, sono divisi in gruppi: i loro discorsi e riflessioni affrontano le problematiche più concrete e poi quelle più filosofiche per arrivare a un insieme indistinto e fluttuante di voci che si carica di melanconiche e affascinanti valenze fino a una sorta di epica fusione comunitaria che rimanda al sogno utopico di un’umanità unita nell’ armonia totale. In conclusione si puo dire che il particolare mix di video, scultura e teatro di tune queste installazioni con le talking heads funziona in modo esteticamente molto interessante attraverso tre fasi: al primo impatto l’osservatore può pensare che si tratti di vere persone: poi, subito dopo, si accorge dell’artificio tecnico; e infine, e questo è il bello, si dimentica della finzione e entra in pieno nel mondo problematico e poetico costruito dagli artisti. Ed è così che funziona la buona arte. 

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Kinematic images and cinematographic sculptures – Francesco Poli 

Daniel Glaser and Magdalena Kunz have been working for years, with clear-minded, visionary determination, at inventing a world that no longer has definite coordinates – a destabilized, upsetting world charged with estranging tension and plunged in suspended, multi-faceted spatial and temporal dimensions.

Their world is half-way between virtual fiction and concrete reality, media simulation and a not immediate experience. At an early stage, they produced large, hallucinatory and at times apocalyptic photo paintings consisting of meticulously assembled digital collages, using a sophisticated kinematic technique of their own invention, which is characterized by a slow, inner movement of images blending and overlap. The result was the monumental trilogy High and Low (2000-2005), which includes Flying High, Babelsberg and Overnight, series of works that are each self-contained and yet also interconnected. Each series is accompanied by an installation. About this trilogy, Mirja Lanz wrote that: “People appear in all three cycles of High and Low”, and they always seem to be involved in something that is getting out of control. In Babelsberg anarchistic figures trash their own production. In Flying High the law of gravity is defied; the only credo that seems to have survived is that of the film La Haine: `Jusqu’ici tout va bien.’ And in Overnight, the most narrative of the three series, the symbols of power collapse at dawn after an all-night party. Human interaction in High and Low has ground to a halt; the collective dynamic has obviously disintegrated. Essentially, we only see individuals in isolation since each one has been photographed singly in the studio and subsequently inserted in the overall composition, as in a collage. 

A virtual artificial reality is juxtaposed with the intense, personal work of the artists with their models. 

This explains the strange mood communicated by each of the scenes. The actors have a powerful life of their own that stubbornly persists despite the staged action. Besides the representation of the characters, a constant, key feature shared by all three series is an image processing technique that exploits the potential of digital photography. 

Whether we see an apocalyptic scenario, a flight without gravity, or a landing strip at dusk crowded with people, it is never really quite what we think it is.”‘ 

The characters they create are often victims of estrangement and displacement: even when seen a group they are inescapably caught in a state of solitude and reflective alienation. However, the visionary and surreal, of the artists’s work has ‘exploded’ into a virtual three dimensionality, with room for social, political, culture any existential issues. In the sophisticated, conceptual dramaturgy of the installations – these ideas are evoked by putting speaking characters on stage – variously clad figures whose faces are animated with disconcerting realism.These characters, referred to as Talking Heads, are both physical and virtual presences, mobile and immobile; they puzzle and fascinate those who look at and listen to them. As Glaser/Kunz explain, they are sculptures brought to life by means of video projection. In addition to the interaction between video projection and sculpture, the artists use various materials such as blankets, clothing and furniture. 

At first glance visitors get the impression that what they see is a real performance, an effect generated by the projection of videos (showing a speaking face) onto three-dimensional casts of the characters’ heads. This technique creates a ghostlike and yet very realistic illusion. After a while, though, viewers see through the ‘trick’ (this, too, is part of the artists’ plan) and find themselves confronted with the clash between reality and fiction. 

The physical impact of the exhibition, reinforced by the acting, radically questions and subverts conventions. 

The “Talking Heads” trigger a mechanism that draws us deep inside their world, making us think about the ambiguity of the relationship between abstraction and lifes realities. In the first works they made in 2007, the installations were more intimate, introspective and, for the most part, with a single protagonist. 

In Drehbuch (Script), a man wrapped in a blanket is sitting next to a small table covered with sheets of paper full of writing, some of them flying about. 

In the half-light of this small room, the man, an actor, seems suspended in an anguishing meaningless void, in which he keeps asking himself and his hypothetical audience enigmatic questions: Where am I?, And who are you?, What is to be done?. In this work, which contains clear references to Pirandello and Beckett (the latter a favorite with Glaser/Kunz), the alienating, absurd theatrical performance (or rehearsal of a show that will never be staged) is a metaphor of the human condition itself at the farthest limits of existential solitude. In a similar vein, but in an even more estrange, disturbing space, we find Kind (Child), a child lying down, covered with paper, his head resting on a bed of straw, the same straw that is sticking out of a half-open wooden crate next to it, the lid bearic inscription “Kind Fragile”. The child murmurs, as if wondering what is going to happen now that she has been taken out of his container. The child is bombarded with questions in five languages from all stages of life, questions past, present and future, many still beyond her comprehension. In the same year, the artists also created the more ironic and startling Autoportrait. The work is actually a double self-portrait of the artists who almost look like alien avatars; they are seated inside a real car, with the windows half-open, so that their bizarre conversation can be heard. The work, mobile by definition, has been placed (or rather parked) in different places, and each time it has elicited very strong reactions from passers-by who respond with mixed feelings, ranging from curiosity to fear, anxiousness to fascination and incredulity to amusement. Another bewildering work (whose trompe l’oeil effect perhaps went far beyond the authors’ expectations) is the surprising mobile performance of Jonathan (2009). The character is a fifty-something man sitting on a wheelchair, with a leg and an arm in plaster. He is presumably an art collector, who keeps talking on his mobile phone about artists, galleries, exhibitions, sales, and auction prices. The impact was extraordinary when the `work’ was pushed by an attendant at a series of art fairs, among them Art Basel, where it was mistaken for a human visitor by most of the public and even by the custodians. In 2008 Glaser/Kunz spent some time in Cape Town as artists-in-residence, working on a series of three installations entitled Voices, the most important of which included six figures: seated and wrapped in dark blankets to fight the cold, the protagonists, six street poets, talk about their lives, their hopes and fears, asking unanswered questions about the serious social and political issues that afflict their country. Another work, Performance (2009), consists of a group of women and men dressed up as gorillas, sitting among heaps of old tires. They have put down their ape-like mask, so that their Talking Heads stick out, clean-cut and livid among the fur, while they are rehearsing a grotesque, weird play about the state of the world. 

Especially in the works that feature groups of figures, the facial expressions and the interplay of looks are almost mesmerizing as different voices alternate in a series of monologues or exchange views in incoherent, unrealistic dialogues. The overall effect of estrangement and expressiveness gradually immerses spectators in an unreal, enchanted atmosphere. The last project by Glaser/Kunz is again both deeply engaging and engaged. Titled House of Homeless, it was developed during their stay in New York. The main installation introduces some 25 characters dressed in rags, blankets, and tin foil, under makeshift cardboard shelters. Not only do they represent the tragic, real-life conditions of many marginalized people; they also symbolize the instability of existence in general. They are homeless people, desperate nomads, but also philosophers who express their views on the basic questions of life. The questions they ask themselves, the artists sa,. have to do with the isolation and the insecurity of living in a marginalized condition – but the characters also defend their spiritual independence, their individual freedom and, in a figurative sense, their homelessness. The characters are divided into groups, representing different cultures and ways of life. Their conversations and reflections deal firstly with concrete elementary problems, and secondly with more philosophical concerns. The blurred, fluctuating choir of voices is tinged with melancholy and fascination, finally climaxing in a sort of epic togetherness, a synthesis that takes us back to the utopian dream of humanity united in perfect harmony. Glaser/Kunz have succeeded in creating a distinctive combination of video, sculpture, and theater in their Talking Heads installations that has a highly effective, threefold ascetic impact: first viewers may be led to believe that they are looking at real people; soon after, they become aware of the technical artifice; and finally (and this is the most exciting part), the fiction immerses them in a new reality, that of a problem-ridden, poetic world constructed by the artists. And this is precisely how good art should function.

Leonie Schilling a colloquio con Daniel Glaser e Magdalena Kunz;  Intervista per Arte al Limite, Cile, agosto/settembre 2009

LS: Come vi siete conosciuti e come è nata la vostra collaborazione? Quando avete iniziato a lavorare alle immagini e sculture cinematografiche? 

DG: avevo scritto la sceneggiatura per due lungometraggi ed ero fermo alla fase della produzione e dei finanziamenti per il film. 

MK: Ero alla direzione di un progetto di ricerca con ETH e HGK di Zurigo, quando ci è venuta l’idea di realizzare un breve progetto insieme. Successivamente è iniziata la nostra collaborazione per la trilogia High & Low. 

DG: Trilogia che è poi cresciuta fino a diventare un progetto mostruoso, durato sei anni di lavoro. Solo ora, all’inizio del 2009, abbiamo potuto mostrarla per la prima volta nella sua interezza. 

MK: La trilogia, con le sue tre parti Flying High, Babelsberg e Overnight, è stata parte integrante della nostra prima retrospettiva, tenutasi nel 2009 presso il Museum fur Zeitgenossische Kunst NSG di Chemnitz. 

DG: Parla di un gruppo di persone che si incontrano per puro caso e di come reagiscono a una catastrofe, che però non era mostrata nell’immagine. High & Lower è stata presentata in spazi espositivi adiacenti, in forma di installazione ambientale con diverse foto di grande formato e immagini cinematiche. Grazie all’innovazione tecnica e a uno speciale allestimento all’interno dello spazio, non vie più differenza qualitativa – immagini fotografiche e proiezione. 

MK: Sapevamo che doveva essere qualcosa di diverso, non più fotografia in senso tradizionale. Ci siamo immaginati una foto di gruppo che cambia lentamente. Quasi impercettibilmente appaiono nuove persone – Ie singole immagini però sono fotografie in senso stretto, non immagini filmiche. Così siamo arrivati all’immagine cinematica. 

DG: Le arti temporali, teatro, film, musica, sono determinanti per il nostro lavoro. 

MK: Entrambi amiamo il cinema: infatti ci siamo conosciuti proprio in una sala cinematografica d’essai. 

LS: Magdalena ha studiato architettura e design, Daniel storia dell’arte e cinema. In che modo questi diversi ambiti influenzano il vostro modo di lavorare e Ie vostre opere? 

MK: I lavori che nascono dalla nostra collaborazione non sarebbero possibili se Daniel e io lavorassimo individualmente. Ciò che produciamo è la manifestazione del nostro dialogo quotidiano. I lavori incarnano ciò che nasce fra di noi. 

LS: Quali artisti, o altre figure o personalità, influenzano voi e il vostro lavoro? 

DG: Personalmente mi sento vicino allo spirito del cinema d’autore europeo degli anni Sessanta e Settanta. 

MK: Accanto all’eredità spirituale di scrittori come Balzac, Sartre, Beckett, Gogol, Dostojevskij, mi interessano fra l’altro anche Ie opere di Goya, Bunuel, Oliveira e losseliani. 

LS: Che ruolo hanno nel vostro lavoro concetti come umanità, società, realtà, incertezza? 

DC: Scienza e arte sono imparentate. Scienziati e artisti studiano, elaborano, cercano di comprendere il mondo o, quanto meno, di sviluppare un sistema di strumenti che permettano di riflettere sul mondo.

LS: Potete parlarmi delle sculture cinematografiche Voices I-IV e dirmi in che rapporto stanno questi nuovi lavori con il ciclo High & Low? 

MK: Durante la nostra permanenza a Lipsia in qualità di artists-in-residence, abbiamo scelto il tema della fuga come base per dare forma a diversi stati transitori dell’essere e dello spirito, riassunti in tre immagini cinematiche astratte dal titolo Cayuco. Dopodiché abbiamo iniziato di nuovo a fantasticare su un progetto di film, ma allo stesso tempo avevamo un desiderio di corporeità, di scultura, e poi volevamo fare una sintesi di tutto ciò che avevamo realizzato fino ad allora. Dopo tre lunghi e tormentati mesi pieni di nuovi tentativi e altrettanti fallimenti, è nata la prima testa parlante, la nostra scultura cinematografica intitolata Drehbuch (sceneggiatura). 

DG: Eravamo molto in ansia quando abbiamo presentato l’opera. Che cosa avrebbe significato? Come avrebbero reagito i visitatori? 

MK: lo avrei preferito nascondermi… 

DG: La prima visitatrice ha gridato per lo spavento. Altri sorridevano maliziosamente. Molti credevano di assistere a una performance vera. 

MK: Le reazioni degli spettatori alle sculture cinematografiche sono sempre sorprendenti e inattese. 

DG: Subito dopo, per una mostra nell’inverno 2007/08, abbiamo create Kind e Autoportrait07. In seguito, durante la nostra residenza in Sudafrica, sono nate le varie opere della serie Voices. 

MK: Dopo un soggiorno di sei settimane a Città del Capo avevamo il compito di organizzare una mostra in uno spazio off della citta. Era chiaro fin dall’inizio che volevamo realizzare un lavoro sul Sudafrica. 

DG: Ma dopo così poco tempo era impossibile anche solo avvicinarsi alla comprensione di ciò che stava accadendo in Sudafrica. Per questo abbiamo pensato di dare voce a diverse donne e uomini di quel paese. 

MK: Siamo andati in cerca di autori nel mondo della poetry-slam. Fra le tante persone che abbiamo conosciuto c’è un poeta ultraottantenne, James Matthews, che vive nella baraccopoli di Città del Capo. Insieme a lui e agli altri poeti abbiamo scelto i componimenti e li abbiamo arricchiti con domande e con canti. Infine abbiamo realizzato alcune teste parlanti, in gruppi di due, e un gruppo più grande con sei teste parlanti, dal titolo Voices III. 

LS: Nelle vostre opere, i dialoghi contengono molte domande – c’è un messaggio che intendete trasmettere con questi interrogativi? Che cosa volete raccontare, quali sentimenti volete comunicare? 

DG: Lavoriamo spesso con le domande. Sono lo strumento linguistico più interattivo in assoluto: quando i visitatori e le visitatrici si sentono chiamati in causa e iniziano a pensare – _ ecco questa è la cosa più bella che possa accadere. 

LS: Che cosa vi ispira a creare questi dialoghi e queste sculture?

MK: La nostra quotidianità: le persone, la cultura, la letteratura, i media, la vita…

LS: Le vostre sculture cinematografiche e i loro dialoghi riflettono solamento che viviamo all’interno della società attuale. 

MK: Trovo che il nostro lavoro sia un tentativo di interloquire con il mondo che ci circonda. Le teste parlanti, le sculture cinematografiche, ci permettono un confronto molto diretto: persino un bambino può essere affascinato da opere come queste, almeno in parte. Molti di coloro che visitano le mostre iniziano a dialogare, stimolati dalle sculture cinematografiche che hanno di fronte. 

DG: Oggi la nostra esistenza non si svolge più in strutture sociali chiuse. La gran parte delle persone vive in modo più individualistico, ma anche più anonimo, rispetto a prima. Sipzone l’accento sulle differenze, e le demarcazioni hanno anche la funzione di fondare un’identità. Tuttavia, per poter risolvere i problemi del presente non possiamo non riflettere sul tema di ciò che è comune, condiviso. 

LS: Avete risposte da dare al vostro pubblico? O solo domande? 

MK: Fondamentalmente i nostri lavori pongono i visitatori di fronte al loro personale modo di vedere, alle loro domande, risposte e riflessioni. In un primo momento molte persone addirittura percepiscono le nostre sculture come viventi. 

LS.: Posso immaginare che durante il processo di creazione non pensiate a una forma definitiva, a un prodotto finale. Come vi ponete nei confronti dei lavori finiti? 

DG: Al contrario: l’installazione finita di cui parli e sempre al Centro dei nostri pensieri. Lavoriamo con uno scopo in mente, ci mettiamo in cammino e, naturalmente, durante il processo creativo cambiamo spesso strada. I nostri progetti procedono a tentoni, per così dire. Modelliamo e rimodelliamo finché il lavoro non ci convince. 

LS: Quali sono i vostri progetti per il futuro? E quali nell’ immediato? 

MK: Viaggeremo, incontreremo persone, leggeremo giornali, ne nasceranno discussioni e, a partire da altre incertezze, certezze e visioni svilupperemo nuovi lavori.

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Leonie Schilling in conversation with Daniel Glaser and Magdalena Kunz Interview for “Arte at Limite-, Chile. august/september 2009 

LS: Tell me a little bit about your development as artists. How did you find your way to art and finally create your very originale and distinctive form of art, the Kinematic Image and the Cinematographic Sculpture? 

DG: I had written two screenplays and just wasn’t making any headway in terms of production and getting backing for the films. 

MK: I was in charge of a research project between the Federal Institute of Technology and the University of Art in Zurich. At the same time we came up with the idea of doing a short project together. That’s how we started working on the trilogy High & Low. 

DG: The trilogy ended up being a gigantic project that took six years to develop. And it was not until spring 2009 that we were able to show the complete trilogy for the first time. 

MK: The trilogy — it has three parts: Flying High, Babelsberg and Overnight – was included 2009 in the exhibition at the Museum of Contemporary Art NSG in Chemnitz, Germany. 

DG: The trilogy shows a random group of people reacting to a catastrophe that is not seen in the picture. High & Low was presented in three adjoining galleries in an installation consisting of several large-format photographs and Kinematic Images. Thanks to new technology and very careful staging, it was possible to eliminate differences in the quality of the photographed pictures and the projection. 

MK: We wanted to do something different, not conventional photography. We kept thinking about a group portrait that is not static, that changes very slowly. Almost imperceptibly new people keep entering the scene, but each picture is pure photography: and not film. That’s how we developed the Kinematic Image. 

DG: Arts that move through time, like theatre, film and music, are seminal to our work. 

MK: We both love the movies, actually, we met in an art house cinema. 

LS: You both came to art from different directions: Magdalena studied architecture and design, and Daniel history of art and film. Have those choices affected or influenced your creativity and the process of creation? 

MK: What we do together could never happen if we worked alone. The outcome is the product of our daily conversations. The works are the embodiment of what happens between us. 

LS: Are there artists or people that inspire (or inspired) you? 

DG: I feel close to the spirit of the authorial cinema of the 60s and 70s in Europe. 

MK: In addition to writers like Balzac, Sartre, Beckett, Gogol and Dostoyevsky, I am also especially interested in the work of Goya, Bunuel, Oliveira and losseliani. 

LS: What role do concepts like humanity, society, reality or uncertainty play in your work? 

DG: Scholarship and art are related. Scholars and artists do research and development; they try to understand the world or at least to develop a set of tools to help them think about the world. 

LS: Tell me how you came to create the Cinematographic Sculptures Voices I-IV. Do these works relate to your High & Low cycle? 

MK: During our Artists-in-Residence stay in Leipzig, we made Cayuco, an abstract trio of Kinematic Images, in which we used the theme of flight to study transitional states of being and their effect on the psyche. We kept thinking and even dreaming about film projects, but we were also longing to do something physical, something sculptural and then to bring everything wed done together. After an agonizingly long three months with new attempts and failures, we made our first Talking Head, our first Cinematographic Sculpture: Screenplay. 

DG: We were really scared the first time we showed this work. What did the work mean? How would viewers react? 

MK: I just wanted to hide and not meet anybody. 

DG: The first viewer was so startled that she screamed. Others chuckled. A lot of people thought they had seen a live performance. 

MK: The way people react to the Cinematographic Sculptures is always astonishing and unexpected. 

DG: Right after that, for an exhibition in the winter of 07/08, we created Child and Autoportrait07. And then during our Artists-in-Residence stay in South Africa, we made several more Talking Heads that we called Voices. 

MK: After spending six weeks at the Cape, we were confronted with doing an exhibition in an offspace in Cape Town. Obvious we wanted to do something about South Africa. 

DG: But in such a short time, it was utterly impossible to eve begin to comprehend – let alone interpret – what was going on there. So we decided to let South Africans speak for themselves to give them a voice. 

MK: We went to poetry slams to find speakers. We met a lot of people, including James Matthews, an 80-year-old poet who lives in a township near Cape Town. Working together with the writers we selected the poems and added questions and singing. We ended up with several Talking Heads in groups of two as well as a larger composition of six Talking Heads: Voices 

LS: The dialogues in your work are mostly questions. Is there a message in them? What do you want to say or what emotions  do you want to communicate? 

DG: We often work with questions. It’s the most interactive linguistic tool of all. When viewers or visitors feel that they’re being addressed and start thinking about things – that’s the most wonderful thing that can happen. 

LS: What inspires you to create such dialogues and sculptures?

MK: Everyday life, people, culture, literature, the media, just life in general. 

LS: Your Cinematographic Sculptures and their dialogue somehow reflect the isolation of our lives in contemporary society. 

MK: To me, our work is an attempt to enter into a dialogue with the world around us. The Talking Heads, the Cinematographic Sculptures, allow very direct and immediate contact – even little children are captivated by them. And, interestingly, often people begin talking to each other. 

DG: We no longer live within a self-contained social context. The lives of most people are more individual and more anonymous than they used to be. There’s a great emphasis on difference, which is also a factor in staking out on Es identity. But unless we focus more on what we share and have in common, we will never be able to resolve or even address the complex problems that confront us today. 

LS: Do you have any answers for your audience? Or only questions? 

MK: Bottom line is that our works confront viewers with their own way of looking at things, with their own questions, answers and thoughts. At first sight, many people do not realize that the Talking Heads are sculptures and not real people. 

LS: I suppose you create without thinking of the final product. Once you have finished it, what do you extract from it? How do you feel about it? 

DG: The completed installation, the final product, as you call it, is actually at the core of what we do from the very beginning. We work towards a goal, we embark on a path, though it does meander, of course, as the work progresses. We feel our way and keep modeling and modifying until we are satisfied. 

LS: Tell me, what are your plans for the future? 

MK: We will travel, meet people, read newspapers, engage in debate – and all the uncertainties, certainties and thoughts will lead to new works.