DA GORE A FORMING 2008-2015 – Lorenzo Madaro 

«Qualsiasi gesto che muta fisicamente un contesto si può considerare scultura. Un respiro si può considerare scultura perché modifica l’aria che lo circonda. Un contatto è un’azione di scultura, ma non so se la scultura è il prodotto del contatto o se è la mutazione della mano che ha prodotto la forma. A questo punto si apre un quesito: dove sta la scultura? Nell’oggetto colpito dal martello? Nel martello che si è deformato colpendo l’oggetto? O nel braccio che si è modificato per colpire? Sono domande che non trovano risposta. Restano aperte». A sostenerlo è Giuseppe Penone’. Questa riflessione del maestro dell’Arte Povera è da considerare un punto cardinale del fare scultura, un manifesto programmatico (e universale) vero e proprio, che si addice a molte pratiche e a infinite esperienze. Ma non sempre la scultura riesce a relazionarsi con gli spazi, spesso la dichiarazione di un rapporto tra spazio e contesto è solo un facile e pleonastico slogan. 

Non è il caso del percorso di Daniele D’Acquisto, che invece ha concepito la maggior parte delle sue opere partendo da questo assunto, spaziando poi verso una pratica che riflette proprio sulle modalità e le connessioni tra elementi, materiali, luoghi e funzioni, riprogettando gli spazi, modificandoli. Una scultura, la sua, che ha inteso agire in un territorio di costruzione, con un metodo di analisi meticolosa di determinati fenomeni della realtà, attraverso registri ed esiti di diversa natura. Adottando gli strumenti della tecnologia, della progettazione minuziosa supportata dall’informatica, D’Acquisto — in particolar modo negli ultimi anni —, ha strutturato un complesso discorso che non riguarda solo i modi e le voci della scultura, ma anche le modalità di visione e percezione degli spazi in cui viene ospitata. Nonostante l’uso disinvolto dei supporti della tecnologia, non ha rinunciato, soprattutto nelle installazioni di un certo impegno, a utilizzare materiali feriali: truciolati, tessuti, finanche brandelli di mobilio, che richiamano la sua memoria familiare e quindi privata. 

In queste pagine sono documentati i momenti fondamentali del suo percorso più recente, con ampi rinvii a ciò che è avvenuto precedentemente e al lavoro strettamente attuale della sua indagine ma il nucleo centrale della monografia si concentra proprio su Strings (from 2011), String mini (2012-13), Strings Int (2013), S-Reverse (2014), ovvero sulle diverse declinazioni delle sue Stringhe, il momento più impegnativo del suo lavoro dedicato ai margini e alle modalità di relazione tra oggetti e spazi, materiali ed elementi e spettatore, alla luce di una valutazione che vede la scultura riflettere sui propri medesimi statuti. Emergono principi basilari legati al “reale” e alla scultura, come tensione, peso e corrispondenze biunivoche tra elementi apparentemente estranei. D’altronde il lavoro dell’artista nasce da considerazioni sui multiformi caratteri della materia e sulle regole che la trasfor-mano. Così come ha scritto Alberto Zanchetta in un testo critico di qualche anno fa, “Da anni [D’Acquisto continua a interrogarsi intorno alla zona liminale che separa ciò che è reale (i fenomeni fisici indagati dalla scienza) da cio the e ideale (l’immaginazione esercitata dall’arte). In pratica l’artista intende tradurre dei concetti in oggetti, mettendo in continuità il piano fenomenico con il livello neurologico, perché immaginare o vedere una cosa stimola le medesime aree del cervello». Precedentemente, Francesco Poll ha rilevato un altro punto su cui ha senso ritornare a riflettere, poiché riguarda anche la sua attuale indagine: «i suoi lavori, che sono generatori e stimolatori di visioni cariche di sorprendenti suggestioni estetiche, aprono nuovi territori di interpretazione del mondo reale e di quello virtuale (e della loro interazione). Determinati aspetti si rintracciano già in GoRe, un ciclo nato nel 2008 che propone specifiche tracce audio in tridimensione; sono pertanto opere nate da un’osservazione della realtà che genera significati. Spesso, nella nostra quotidianità, ci troviamo di fronte a fenomeni ordinari, che però possono dar vita a risultati e situazioni inaspettate: in questo caso cia che per eccellenza etereo, il suono, si e tramutato in qualcosa di estremamente tangibile, percepibile con un altro senso, anzi altri due sensi: il tatto e la vista. II suono – che è il risultato della vibrazione di un corpo in oscillazione – e la materia più impalpabile e intensa. Le grandi sculture di GoRe sono state realizzate in legno, materiale privilegiato anche dei suoi lavori più recenti. II titolo del ciclo va ricercato nella Golden record, la registrazione sonora inviata nello spazio nel 1977 in occasione della missione Voyager, che custodiva anche la traccia di Johnny B. Good di Chuk Berry, una nar-razione dilatata delle sfaccettature del mito americano. La traccia, il gesto, tornano in mente le parole pronunciate da Penone riportate in apertura: suono e un portatore sano di scultura, anzi e una forma primigenia di scultura». Prima di questo ciclo, il lavoro di D’Acquisto era orientato su un fronte figurale, sempre sistematico, meditato e visionario, come vedute di Deserti – con immagini tratte da fotografie eseguite in Sardegna – e ritratti di astronauti. La validità di GoRe risiede anche in uno scarto tra la dimensione “reale” e quella metaforica e innovativa del rendere in tridimensione la più impalpabile delle materie. Anche l’installazione composta da pentole in alluminio, acciaio e legno sbiancato, No Dolphin del 2011, e frutto di un metodo legato a uno sguardo intenzionalmente autoreferenziale, un autoreferenzialità che interpella i confini, sollecitando una riflessione sugli statuti delle forme e del vuoto: la batteria di pentole sovrapposte tra loro, nelle sua dimensione ingigantita rispetto a quelle d’uso comune, rivela superfici incavate colmate da profili in legno che ricalcano le forme di residui di liquidi posti precedentemente nelle pentole inclinate. C’è chiaramente un rinvio a un celebre lavoro di Jeff Koons, ma il lavoro di D’Acquisto è più caldo, di radice poverista, come accade in diverse pratiche portate avanti da numerosi artisti della sua generazione, con approc, di partenza — e prospettive, quindi esiti — diversi da quelli scandagliati dal singoli protagonisti dell’Arte Povera. II truciolato ricavato dalla rielaborazione degli scarti della produzione delle sue installazioni, gli tornerà poi utile per Give Up The Ghost (2011), in cui D’Acquisto si confronta con un grande parete, che rielabora grazie a 63 Kg di polvere di legno. E’ una sorta di muro memoriale, un monumento insieme saldo e diafano che raccoglie in sé le tracce di una ricerca persistente. 

Persiste quindi l’interesse per una duality costante, intransigente ed esigente, che si riscontra nel 2012 con +/- Space, recipienti in vetro posizionati su mensole oblique, che al loro interno contengono una compatta sezione di legno. Qui la riflessione verte sul modo di intendere lo spazio — negativo e positivo partendo da una concezione esistenziale popolare che considera il bicchiere mezzo vuoto — o mezzo pieno — come metafora dell’approccio alla vita e alle sue tangenze. 

II gioco linguistico prosegue e approda così alle Stringhe: strutture in legno che percorrono oggetti e materiali eterocliti, li connettono tra loro rendendoli parte integrante di un corpo che percorre lo spazio, sezionandolo e modificandolo, potenzialmente all’infinito. Ogni brandello di stringa composto da due innesti che si compenetrano vicendevolmente, consentendo così ai moduli di entrare nel circuito infinito dell’opera stessa. Strings (2011-2013)  un lavoro molto impegnativo, anche nelle sue dimensioni: si muove con disinvoltura meditata nello spazio percettivo e reale dello spettatore, invadendo i campi dello sguardo, proponendo prospettive e andamenti a volte sinuosi e a volte piu estremi, quasi vertiginosi. Gli oggetti si incuneano al suo interno, adattandosi nei suoi numerosi meandri. Tra orizzontalità e verticalità si sviluppa così un rapporto pregnante tra oggetti di diverse dimensioni, che sostanzialmente tra lore non hanno alcuna connessione, almeno non immediate. 

Uno pneumatico, una poltrona vintage ed ancora una trave e un tronco. Sono oggetti prelevati da un immaginario personale, portatori sani di un ricordo legato alla loro provenienza. Ad esempio il comodino che si vede in un altro lavoro di questo periodo, quasi incastonato nella sinuosa forza centrifuga della stringa, e quello della nonna, quindi un “altare” della memoria domestica della sua famiglia. Probabilmente ha attratto l’attenzione di D’Acquisto per le sue forme e non per do che rappresenta nell’immaginario privato, ma in ogni caso il legame — direi quasi affettivo — tra la sua memoria di uomo, e quindi di artista, e l’oggetto “comodino” ha una sua valenza imprescindibile. 

Attorno al nucleo “centrale” delle Strings chiaramente ci sono variazioni sulla terra, sempre pere accompagnate da una speculazione che va di pari passo con un alto tasso di meditata progettualità. 

E il cambiamento sussiste non solo nello spessore e nella tangenza delle stringhe all’interno della superficie orizzontale in cui si sviluppa l’opera, ma soprattutto nelle dimensioni totali dell’intervento e nei materiali e negli oggetti posti al suo interno. In String mini (2012-13), c’è un pallone da rugby — e qui rientra un altro motivo biografico, il fratello e stato un preparatore atletico dei Panthers Parma — e un attrezzo. In questi casi più recenti le stringhe vengono studiate per accogliere oggetti specifici, che pertanto non devono più adattarsi alle loro forme, stabilendo così una convivenza ancor più integrata. Con Strings Int del 2013, le stringhe di legno sbiancato si relazionano con uno pneumatico, una mazza da baseball, un chiodo: le dimensioni variabili dell’installazione ribadiscono quel principio fondante che fa dell’opera un intervento costante e mobile, perpetuo e potenzialmente illimitato. Con S-Reverse del 2014 c’e uno scarto ulteriore, poiché le stringhe non sono pi6 progettate per contenere specifici elementi, ma oggetti e materiali si incuneano dentro dei vuoti, adattandosi alla loro conformazione spaziale. All’interno D’Acquisto ha posizionato una serie di reliquie di una memoria ancora attiva, e per certi versi inespressa: segatura, blocchi di legno, coperte di lana, brandelli di cartoni assemblati a tavole, contenitori, strati di plastica. Con la loro identità spaziale e la loro consistenza materica, questi elementi slabbrano il circuito, smagliando l’apparente ordine precostituito. 

Quelle usate per il concepimento di quest’opera, sono materie elementari, semplici, recuperate dall’artista nel proprio studio. Materie riciclate e riciclabili, che tautologicamente diventano parsentegrante e sostanza necessaria dell’opera stessa. 

Perciò le stringhe fagocitano, in un percorso apparentemente lineare, brandelli di realtà e immaginazione, rudimenti feriali e porzioni di spazio assolutamente tangibili, tanto che a loro volta gli oggetti connettono nuove stringhe. Da qui il titolo scelto per l’opera: Reverse. Forming, l’ultimo suo ciclo, si sviluppa su fronti distinti, autonomi ma chiaramente congiunti, tra stampe fotografiche site-specific e interventi precari. 

Il recente trasferimento di D’Acquisto in provincia di Piacenza ha costituito un momento rivoluzionario nella sua quotidianità, oltra ad aver comportato il trasloco di ciò che conservava nel suo studio di Taranto, città che negli ultimi anni vive un costante dramma dovuto alla cattiva politica. 

L’artista aveva accumulato da tempo un disordinato repertorio di oggetti più o meno comuni, attratto della loro forma o della loro storia anonima e fors’anche banale: il suo nuovo studio si è così popolato di una serie di oggetti e materiali, che nel caos generale sono stati individuati e collocati su una grande parete. Uno pneumatico, un’accetta, una ramazza, un libro aperto ed altro ancora: le dinamiche attraverso cui sono stati posizionati sulla superficie precedentemente ridipinta sono diverse, ma in tutti i rispettano una studiata nomenclature che tiene conto non certo di rapporti di parentela funzionale, ma formale. In ogni caso sulla parete del suo studio, e quindi sulle stampe su alluminio, c’è un oggetto che assume una centralità o comunque un punto di partenza spaziale; da qui si din poi un sistema di nuove coordinate, autonome e al contempo come, all’oggetto originario. Anche in questo risiede la studiata nomenclature del processo generativo nelle opere di D’Acquisto, vere e proprie forme articolate di conoscenza e pensiero, che da autobiografico può diventare comune, collettivo e quindi “politico”. L’esperienza individuate è una metafora di ciò che può accadere agli altri, alle persone che vivono attorno a noi, ma anche un invito a ripensare l’esistenza attraverso una rimodulazione perpetua di ciò che ci circonda, anche un oggetto apparentemente insignificante. 

Ma perché Forming? <II titolo si riferisce al fatto che l’opera coincide con il suo processo di formazione>, suggerisce l’artista, facendo poi anche riferimento ai Germs, gruppo punk rock statunitense. Secondo «la band propone per due volte un pezzo, Forming. La prima traccia suonata nel momento in cui, per la prima volta, Ia band imbraccia gli strumenti senza averne padronanza, la seconda registrata a distanza di goal che tempo, quando Ia consapevolezza tecnica si era mescolata all’urgenza espressiva». 

Questa dualità si verifica in qualche modo anche nell’opera di D’Acquisto:  l’installazione site-specific nel suo studio solo il primo momento della sua nuove indagine. Ad essa sono strettamente collegate le riproduzioni fotografiche di porzioni di parete, poi stampate su supporti metallici evidenziano taluni aloni di colore sulla superficie, quasi delle screziature.

Questo secondo momento della ricerca non un’immagine meramente documentale, ma il prosieguo dell’opere stessa, che in questa fase assume i connotati di un oggetto mobile, un “quadro”. D’Acquisto costruisce pertanto questo nuovo ciclo attraverso un processo, in qualche modo ecologico, di riutilizzo dell’esistente. E questo aspetto chiaramente lo accomuna, anche se per ragioni differenti, artisti attivi dai primi anni Zero, in qualche modo legati a un carattere sperimentale ma anche di recupero di formule e materiali che appartengono alla storia. Si spiegano, così alcune rimodulazioni di forme e materie, la cui radice vanno rintracciate nell’ambito dell’Arte Povera e di altre ricerche di taglio sperimentale posizionatesi in Europa e in America a cavallo tra gli anni Sessanta e i Settanta.

Forming è pertanto un progetto in via di definizione, proprio perché rappresenta il punto di partenza per nuove prospettive, dedite a un’osservazione ravvicinata della realtà e di ciò che paradossalmente gli si contrappone. 

II processo installativo e la successiva stampa su alluminio non cancellano questa traccia di memoria, it libro aperto appare in tutta la sua dimensione simbolica di ostinato messaggero di concetti ed esperienze, a prescindere dal suo contenuto, dalla sua identity. E accaduto così anche in una mostra recente. Oltre al ciclo delle stampe su alluminio Dibond, in quell’occasione ha proposto due lavori installativi precari site-specific su altrettante pareti della galleria. Ha così connesso tra loro — mediante rigorose scie dipinte su pareti con bombolette spray a pigmenti metallici — reperti della sua memoria privata — ritorna l’anta di un comodino di famiglia, per esempio — e strumenti da bricoleur, come un martello e un chiodo. 

Le due pareti sono così divenute un repertorio di combinazioni meditate tra materie e forme, riconvertendo funzionalità ed espressioni in un meccanismo studiato di equilibri e nessi. Ritorna, come nelle stampe Dibond, il grigio, quello dell’acciaio, lo stesso che si respira a Taranto. Solo apparentemente estraneo alle sue investigazioni, ritorna invece con maggiore evidenza it fattore autobiografico, che stimola riflessioni a maglie larghe sul presente di una città in perenne stato d’emergenza. Ma permane anche un coerente legame con tutto ciò che D’Acquisto ha concepito fino a questo momento. Alla orizzontalità dilatata delle Strings, si oppone una necessitante verticality, che assume le dimensioni del “quadro” — nelle stampe — o dell’installazione, sempre nell’ottica di un dualismo linguistico e intrinsecamente concettuale. L’opera di D’Acquisto si conferma così un mezzo di recupero e di riflessione plurilinguistica sull’esistente. 

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FROM GORE TO FORMING 2008-2015 – Lorenzo Madaro 

«Any gesture that physically changes its context can be considered a sculpture. A breath can be considered sculpture because it modifies the air around. A contact is a sculpting action, but I do not know if the sculpture is the product of the contact or if it is the change on the hand that made the form. At this point, we reach a question: where is the sculpture? In the object beaten by the hammer? In the hammer that changed shape while beating the object? Or on the arm that changed while beating? There are no answers for these questions, they are stil) wide operi, Giuseppe Penone supports this idea. 

These reflections of the master of the Arte Povera are considered a cardinal point in sculpture creation, a real (universal) manifesto which is fitting for many practices and endless experiences. But not always the sculpture can relate to space, often the declaration of a relationship between space and the context is just an easy and superfluous slogan. 

This is not the path of Daniele D’Acquisto, who instead has designed most of his work with this in mind. His practice reflects over the modalities and connections between elements, materials, places and functions, redesigning spaces, modifying them. He intends for his sculpture to act in an area of construction, with a meticulous analysis of certain phenomena of reality, through records and outcomes of different kinds. By adopting the tools of technology and supporting his meticulous design with software, D’Acquisto – especially in recent years – has structured a complex discourse that not only affects the ways and voices of sculpture, but also the vision and perception of the space in which it is housed. Despite the intense use of media technology, he has not given up working materials, especially in the installation of a certain dimensions: chipboard, fabrics, even pieces of furniture, which are family relics, and therefore private memories. 

These pages have documented key moments of the most recent phase of his career, with ampie references to what came before and the work on its current investigation. But the core of the monograph focuses precisely on Strings (from 2011), String mini (2012-13), Strings Int (2013), S-Reverse (2014), or the various versions of his Stringo, the most significant period of his work which focuses on the edges and the relationship between objects and spaces, materials and elements and the viewers, in the light of an assessment that sees sculpture reflected on their same statutes. Basic principles emerge related to the “reality” and sculpture, such as tension, weight and bijective correspondences between seemingly unrelated ele-ments. Besides, the artist’s work stems from considerations on the many faceted characteristics of matter and the rules that transform it. 

As Alberto Zanchetta wrote in an essay a few years ago, «For years [D’Acquisto] continues to wonder around the liminal zone that separates what is real (physical phenomena investigated by science) from what is ideal (imagination exercised by the art). In practice, the artist intends to tran-slate the concepts into objects, putting together the phenomenal plane with the neurological level, because imagining or seeing something stimulates the same areas of the brain». Previously, Francesco Poli pointed out another point that makes sense to analyze again, since it is related to D’Acquisto’s current investigation: «his works, which are generating and stimulating visions full of surprising aesthetic suggestions, open up new areas of interpretation of the real and virtual worlds (and their interaction)». 

Certain aspects can be traced already in GoRe, a series created in 2008 which proposes specific audio tracks in three dimensions; therefore they are works of art born from an observation of reality that generates meanings. Often, in our daily lives, we are faced with ordinary phenomena, that can create unexpected results and situations: in this case, what is a quintessential ethereal element as sound, has turned into something very tangible, perceptible with another human senses: touch and sight. The sound – which is the result of the vibration of a body in oscillation – is also the most impalpable and intense matter. The large sculptures of GoRe are made of wood, material of choice also of his most recent works. The title of the series is to be found in the Golden record, a recording sound sent into space in 1977 on the occasion of the Voyager mission, which also kept track of Johnny B. Good by Chuk Berry, a dilated narrative of the facets of the American myth. The track and the gesture reminded of the words spoken by Penone at the opening: «The sound is a healthy carrier of sculpture; rather it is a primitive form of sculpture». 

Before this cycle, the work of D’Acquisto was oriented on a figural front, always systematic, thoughtful and visionary, as can be observed on Deserts – with images taken from photographs taken in Sardinia – and portraits of astronauts. The validity of GoRe also lies in the gap between the “real” and the metaphorical and innovative dimensions that renders the most Intangible materials In three dimensions, Even the Installation composed of aluminum pans, steel and bleached wood, No Dolphin of 2011, Is the result of an intentionally self-referential method, a self-referentiality that challenges the boundaries, calling for a reflection on the statutes of the limns and vacuum: the cookware overlapping each other, in a larger size nien those in common use, reveals sunken surfaces filled by wooden mollies that follow the forms of waste liquids placed in pots previously inclined. There is clearly a reference to a famous work of Jeff Koons, but the work of D’Acquisto is warmer, following his Povera roots, as happens different works carried out by many artists of his generation, with diffe-‘ant start approaches — and different prospects and therefore outcomes than those fathomed by individual protagonists of Arte Povera. 

The chippings obtained from the reprocessing of waste production of its installations was put back to use on Give Up The Ghost (2011), in which D’Acquisto is confronted with a large wall, which he reworks with 63 kg of sawdust. It is like a memorial wall, a balanced and diaphanous monument OW brings together the traces of a persistent pursuit. 

There is a persistent interest in a constant duality, uncompromising and demanding, which is found in 2012 with +/- Space, glass vessels placed fin slanted shelves, which contain a compact section of wood. Here, the analysis focuses on the understanding of negative and positive space, starting from a popular existential conception that considers the glass half empty – or half full – as a metaphor of the approach to life and its tangencies. 

The language game continues and so arrives at Strings: wooden structures that run anomalous objects and materials, connecting them to one another, making them an integral part of a body through space, dissecting and editing it, potentially unlimited. Each piece of string is composed of two couplings which mutually interpenetrate, thereby allowing modules to enter the circuit infinite work itself. 

Strings (2011-2013) is a very demanding job, especially due its dimensions: it moves freely yet thoughtfully in the perceptive and real space of the spectators, it invades the sight fields, offering sometimes sinuous prospects and trends and sometimes more extreme, almost vertiginous ones. the objects are wedged inside it, adapting to its many intricacies. A mea-ningful relationship develops between horizontality and verticality as well as between objects of different sizes, which basically have no connection to each other, at least not immediately. 

A tire, a vintage armchair, and even a beam and a trunk. Objects are selected from a personal imagery, healthy carriers of a memory linked to their origin. For instance, the bedside table that can be seen in another work of this period, almost embedded in the sinuous centrifugal force of the string, is the grandmother’s, then an “altar” of the memory of his family home, It probably attracted the attention of D’Acquisto for its shapes and not for what It represents In the private imaginarium, but In any case the connection – I would say almost emotional – of his memory of man, and then as an artist, to the “bedtime table” has a vital importance. Around the “central” core of Strings clearly there are variations on the theme, but always accompanied by speculation that goes hand in hand with a high rate of thoughtful planning. 

And the change exists not only in the thickness and tangency of the strin-g inside the horizontal surface in which it develops the work, but especially in the total size of the intervention and in the materials and objects placed inside it. In String mini (2012-13), there is a rugby ball – and here enters another biographical motive, his brother was a coach of the Parma Panthers American Football Team – and a tool. In the most recent cases, the strings are designed to accommodate specific objects, therefore no longer have to adapt to their forms, thus establishing a more integrated coexistence. With Strings Int 2013, strings of bleached wood connect to a tire, a baseball bat, a nail: the variable size of the installation reaffirms t at fundamental principle that makes the work a constant and mobile tervention, perpetual and potentially unlimited. With S-Reverse of 2014 there is a further gap, since the strings are no longer designed to contain specific elements, but objects and materials are wedged inside the voids, adapting to their spatial conformation. Inside, D’Acquisto has placed a number of relics of a still active memory, and in some ways unspoken: sawdust, wood blocks, wool blankets, scraps of cardboard assembled as tiles, containers, plastic sheets. With their space dimensions and their material consistency, these elements tear on the circuit, breaking the apparent pre-established order. 

The items used for the conception of this work, are basic, simple materials, retrieved by the artist from his studio. Recycled and recyclable materials tautologically become an integral and necessary substance of the work itself. 

Therefore strings engulf, in an apparently linear path, shreds of reality and imagination, working rudiments and portions of absolutely tangible space, so much so that, in turn, the objects connect new strings. Hence the title chosen for the work: Reverse. 

His last cycle Forming spread over different independent fronts, but clearly combined, including photographic prints on aluminum, site-specific installations and precarious interventions. 

The recent move of D’Acquisto to the province of Piacenza has become a revolutionary moment in his everyday life; it also included moving up Nort -what he kept in his studio in Taranto, the Southern city that in recent years experienced a constant drama due to pollution and bad politics. 

Over time, the artist had accumulated a long messy repertoire of more less common objects, attracted by their form or their anonymous story id perhaps even banal reason hIs new studio was then populated with arlety of objects and materials, which have been identified and placed on a large wall in general chaos. A tire, a hatchet, a broom, an open book, and more: the dynamics through which were placed on the surface previously repainted are different, but in all cases comply with a studied nomenclature that takes into account not only functional but formal kinship. 

In any ease, on the wall of his study, and then on the prints on aluminum, there is an object that takes on a centrality or at least acts as the starting from it, it unfolds a new autonomous coordinate system, yet linked the original item. In this lies the studied nomenclature of conception in the works of D’Acquisto, real structured forms of knowledge and thought that can change from autobiographical to common, collective and therefore “political”.

The individual experience is a metaphor for what can happen to others, the people who live around us, and it is also an invitation to rethink existence through a perpetual reshaping of our surroundings, even in a seemingly insignificant object. 

But why Forming? <The title refers to the fact that the work coincides in his formation process>, suggests the artist, by then it is also making reference to the Germs, an American punk rock band. According to D’Acquisto <the band presents a piece twice, Forming. The first track played at the moment when, for the first time, the band embraces the instruments without mastering them. The second version is recorded after some time, when the knowledge and technique were mixed with expressive urgency>. 

This duality occurs in some way in the work of D’Acquisto: the site-specific study is only the first phase of his new creation. It is closely linked to the photographic reproductions of portions of the wall, then ,smiled on metal surfaces that highlight certain streaks of color on the surface, almost mottling. This second step of creation is not merely an image documentation, but the continuation of the work, which at this stage takes the form of a moving object, a “framework”. D’Acquisto builds horefore this new cycle through a somehow ecological process, which is he reuse of the existing installation. And this aspect is clearly common, although for different reasons, to many artists active since the early Zero ware, somehow related to an experimental work but also the recovery of formules and materials pertaining to history. This explains some readjustments of shapes and materials, the root of which is tracked as part of the Arte Povera and other research cutting experimental art originated in Europe and America at the turn of the sixties and seventies. 

Forming, therefore, is a project is to be defined, because it represents the hitting point for new prospects, devoted to the close observation of reality and Its paradoxical opposite. 

The installation process and subsequent printing on aluminum do not erase this memory trace, the open book appears In all Its symbolic dimension as the stubborn messenger of concepts and experiences, regardless of its 

content, its identity. It happened so in a recent exhibition. In addition to the prints on Dibond aluminum, on that occasion D’Acquisto proposed Iwo temporary site-specific works installed on as many walls of the gallery. 

Then he connected them with each other – through rigorous trials pain-ted on the walls with metallic pigments spray paint — relics of his private memory – the back door of a family bedside table, for example – and handyman tools, like a hammer or a nail. The two walls thus became a repertoire of meditated combinations between materials and forms, converting features and expressions in a studied mechanism of balance and links. 

He returns, as Dibond prints, to the gray, the steel, the same colors you breathe in Taranto. While apparently unrelated to his investigations, the autobiographical factor returns more clearly, which stimulates deep reflections on this large mesh of a city in a constant state of emergency. 

But It remains a consistent bond with all that D’Acquisto conceived so far. 

The dilated horizontality of Strings opposes a need of verticality, which is the size of the “framework” – in print — or the installation, always with a view of a linguistic and inherently conceptual duality. The work of D’Acquisto is thus confirmed as a means of recovery and multilingual reflection on the existing.